"Metheny - Mehldau"

Un mes, exactamente. Y horas, muchas horas de escucha, y una botella de whisky escoces y el humo de varios puros que me trajo un amigo, desde La Habana. Todo eso me costo bajar a tierra, o sea, pasar del pensamiento a las letras de la pagina de este blog extranjero, las delicadas y exuberantes piezas de jazz que solo dos monstruos contemporaneos podían grabar a dúo. A fines del 2005, el virtuoso pianista de Florida Brad Mehldau (poseedor de una sensibilidad jazzera que se acerca al mejor Bill Evans, aunque el reniege de eso, y con una formación de música clásica a sus espaldas que hace de su técnica envidiable para muchos) se junto a grabar con uno de los mejores guitarristas de los ultimos 30 años: Patrick Bruce Metheny, al que el mundo entero conoce como Pat Metheny. De esta unión increíble salió el disco “Metheny- Mehldau”, para el selllo Nonesuch Records.

No ha sido para la critica especializada el mejor disco de estos dos “niños mimados” . Con una mochila llena de grandes discos por separado, la colaboración de estos dos pesos pesados del jazz actual prefiguraba un disco con olor a “clasico del futuro”, al nivel de grandes y clásicas colaboraciones como la de Gerry Mulligan con Chet baker. Quizás este no sea el caso. Pero…

Mientras escribo estas  lineas escucho de fondo un arrullo limpio, transparente, como sonido de poesía sin palabras que traspasa en la emoción y se cuela sin aviso a mis espaldas, escapando de los parlantes de mi equipo de música. Son esos diez temas que tanto tiempo me costo traducir. Y de nuevo esa vieja sensación que me eriza la piel y que me da ganas de abrir otro whisky escoces y de fumar de nuevo uno de esos tan ricos Cohibas cubanos. Es por el fruto de un trabajo lleno de magia, con momentos de mucha intensidad, donde el perfecto toque clasicista de Mehldau se funde con la guitarra acustica de un Metheny al que el tiempo le sienta como a los buenos vinos: este tipo toca la guitarra cada día mejor. No puedo dejar de reconocerlo.

Lo mas sobresaliente de este trabajo es que no se opacan en ningún momento. Se complementan perfectamente. Y el mejor ejemplo de esta complicidad de viejos amigos esta  explicitada en el tema numero diez del disco, “Make Peace”, que según mi humilde opinión es el trabajo más logrado de este disco.
Lo menos: si bien es un trabajo de dúo, la realidad es que hay espacio para el trabajo grupal, donde los partenaires habituales de Mehldau, Jeff Ballard en la bateria y Larry Grenadier en el contrabajo, logran crear un equilibrio perfecto en dos temasos del disco: “Ring of life” y “Say The Brother's Name” (este ultimo es una reedición de otra colaboración de Metheny, esta vez con John Scofield). Al momento de salir el disco, yo opinaba que se habían quedado cortos con los temas grupales. Por suerte al año siguiente editaron el disco “Metheny- Mehldau Quartet”, del cual hablare mas adelante…

Y aunque la critica especializada ( y no tanto) diga que esto “ya lo escuchamos”, yo opino: gracias a estos dos monstruos sagrados por “poder volver a escucharlo”.

Para escuchar todo el disco "Metheny-Mehldau" on-line, presione aqui!

Lista de Temas:

1. "Unrequited"  -  5:00 
2. "Ahmid-6 "  -  6:35
3. "Summer Day"  -  6:25 
4. "Ring Of Life"  -  7:35
5. "Legend"  -  7:02
6. "Find Me In Your Dreams"  -  6:07
7. "Say The Brother's Name"  -  7:14
8. "Bachelors III "  -  7:24
9. "Annie's Bittersweet Cake"   -  5:32
10. "Make Peace "  -  7:06

"Grant Green Alive!"

  No pudieron con el  ni las drogas ni el menosprecio de los críticos durante los últimos años de la década de los 60. Atrás habían quedado sus mejores trabajos para la Blue Note, "Idle Moments" (1963) y "Solid" (1964).  Y para comienzos de 1970, Grant Green era un guitarrista retirado. Su lugar en la escena Jazz de ese momento lo habían ocupado West Montgomery y George Benson, ni mas ni menos (es innegable que los dos reflejan las influencias estilísticas de Green).

Pero como el ave Fénix,  las cenizas de su repertorio mainstrean se convirtieron en una increíble formación de Funk duro e hipnótico, pulverizando el escenario del Cliche Lounge en Newark, New Jersey, el 15 de agosto de 1970. Este concierto  fue grabado en el disco "Grant Green Alive!" y  editado para el sello donde Green era hijo mimado, la Blue Note.

Con una formacion sin estrellas, Grant Green logro armar una banda tan solida como electrizante: Claude Bartee (saxo tenor); William Bivens (vibraphone); Ronnie Foster, Neal Creque (órgano); Idris Muhammad (batería); Joseph Armstrong (congas); Bobby Green  (presentador).

El resultado: Funk Jazz en estado puro, en el mismo momento en que bandas como Funkadelic o Sly and the Family Stone recién comenzaban a explotar el costado mas Funk en el rock psicodelico de la época.

Es un disco sin fisuras, con momentos de alto vuelo, donde la guitarra de Green dispara grooves, uno tras otro, como en  "Let the Music Take Your Mind" (tema de Kool and the Gang),  con su clásico e inconfundible fraseo lento, repitiendo  figuras deliveradamente, hipnotizando al oyente.  Hay gran libertad en el resto de los músicos para improvisar y ejecutar magníficos solos (en el clásico tema de Herbie Hancock "Maiden Voyage" la banda retoma raíces mas jazzeras, donde los solos brillan en  la guitarra de Green, el saxo tenor de Claude Bartee y el órgano de Ronnie Foster) y la batería  de Muhammad se transforma en una maquina de ritmos perfecta, acoplando a las congas de Armostrong el clima que cada tema necesita.

Un disco clásico, imprescindible, para los amantes del Funk, con temas que son facilmente reconocibles ("Sookie, Sookie" es el mejor ejemplo) y muy, muy fácil de escuchar. El mejor Green después de muchos años, en un punto de quiebre en su carrera, que continuaría en esta senda hasta 1979, año de su muerte.

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Lista de Temas:

1. "Let the Music Take Your Mind" (Kool and the Gang) - 8:42
2. "Time To Remember" (Neal Creque) - 11:19
3. Band introduction by Buddy Green - 0:32
4. "Sookie, Sookie" (Don Covay, Steve Cropper) - 11:10
5.  "Down Here on the Ground" (Garnett, Lalo Schifrin) - 6:45
6. "Hey, Western Union Man" ( Butler,  Gamble, Huff) - 7:46
7. "It's Your Thing" (Rudolph Isley) - 9:17
8. "Maiden Voyage" (Herbie Hancock) - 10:58

" The Tokio Blues"

Si este blog tuviera secciones, el disco del que quiero hablarles entraría en la sección titulada: "Con un solo tema alcanza y sobra". Y vaya que alcanza con solo escuchar el tema que da nombre al disco que el gran pianista norteamericano Horace Silver grabara en Julio de 1962,  "The Tokio Blues".

En 1961 el quinteto de Silver (integrado por  Blue Mitchell en trompeta, Junior Cook en saxo tenor, Gene Taylor en contrabajo y  Joe Harris en batería) realizó una importante gira en Japón, más específicamente en la capital de la isla asiática. Fue tanto el entusiasmo y el respeto del publico japones por el maestro, que al regresar a los Estados Unidos, Horace comienza a componer temas con la intención de homenajear dicho encuentro. Cualquiera podría pensar que la temática del disco seria sin dudas la fusión de sonidos orientales con el jazz. Nada mas lejos de la realidad. Es sin dudas un disco de Hard Bop, blues y ritmos latinos. El homenaje en si solo queda en la simpática foto de la portada. Lo mas importante del caso es que, sin embargo, la estadía en tierras niponas inspiro a Horace Silver de manera notable, y el tema "The Tokio Blues" da cuenta de ello. Son siete minuto placenteros, llenos de ritmo y alegría, con el tempo justo para no dejar de mover los pies acompañando el ritmo malabarista del gran Harris. El tema comienza con un solo "dry martini" del saxo de Junior Cook, continua con una explosión de frescas notas cítricas que salen de la trompeta de Blue Mitchell, y logra el éxtasis con un cierre justo, sobrio y elegante del maestro Silver al piano. No puedo dejar de elogiar la solidez instrumental del contrabajo de Taylor, muy funky y latino al mismo tiempo. Algún oído avezado a la música japonesa podría descubrir en algunos pasajes del tema cierta atmósfera oriental. Es sin dudas la atmósfera de una urbe cosmopolita que al momento de la visita de Silver y su quinteto comenzaba a dejar atrás la huellas de la segunda guerra y entraba en el periodo del llamado "milagro económico", que logró situar a Japón como la segunda economía del mundo en menos de 20 años. Pero esa es otra historia.

El resto del disco es memorable (el segundo gran momento del disco es la extensa y sugestiva "Too Much Sake") . Pero esta sección, de existir, se llamaría "Con un tema alcanza y sobra". Voy a dejar que  ustedes lo descubran por si mismos, mis estimados extranjeros.

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Lista de Temas:

1. "Too Much Sake" (Horace Silver) - 6:43
2. "Sayonara Blues" (Horace Silver) - 12:10
3. "The Tokio Blues" (Horace Silver) - 7:36
4. "Cherry Blossom" (Ronnell Bright) - 6:09
5. Ah! So (Horace Silver) - 7:05

“Life Between the Exit Signs”

A veces, por circunstancias que el destino ha ido variando a  lo largo de mi vida, la posibilidad de re-escuchar un disco es inevitable. Por “re-escuchar” defino la manera de volver a descubrir a un artista y su obra en algún momento definido de su carrera, por lo que podría decir que “re-escuchar” un disco es también “re-descubrir” al artista y a  su obra.  Me pasa en este mismo momento, mientras escribo estas palabras, con Keith Jarret, y su disco debut en trio con el contrabajista Charlie Haden y el baterista Paul Motian. El disco en cuestión es “Life Between the Exit Signs”, grabado en Nueva York  el 4 de mayo de 1967, y editado para el sello Vortex.

Ningún amante del jazz, a esta altura, necesita mucha presentación sobre la vida y obra de este genial músico. Se ha hablado, y escrito,  mucho sobre Keith Jarret, y entre tanta alabanza hacia el brillo que tuvo, y sigue teniendo, este artista durante su vida, (en especial durante sus momentos mas solemnes, como “The Köln Concert” de 1975), es posible que, sin buscarlo, se  opaque levemente el  primigenio resplandor  de esta obra cargada de lirismo y experimentación.

Lo más destacado del trio, es sin dudas, el trio en si. No es casualidad que Jarret haya decidió tocar junto a Haden y a Motian. Es un aviso claro de donde viene Jarret, y hacia donde quiere ir. Charlie Haden es el contrabajista mas ligado al trio de Ornette Coleman  a finales de la década de los 50.  Paul Motian es

el baterista que le dio color y texturas al ritmo de las inigualables composiciones del Bill Evans Trio en los 60. Que duda cabe que las influencias más grandes que tiene Keith Jarret son, entonces, Evans y Coleman. La exploración y deconstrucción de estructuras en temas como “Love n° 2” siguen el modus operandus de Ornette Coleman. Y no hay nada mejor que el lirismo propio de Bill Evans para dedicar un tema a una mujer , que Jarret de manera personal evoca en unos deliciosos pasajes de temas como “Margot”, o “Love n° 1”.  En fin, una brillante "carta de presentacion", lejos de sus mejores momentos, pero con ideas musicales bien definidas, respetando su pasado, y abriendose paso hacia este futuro increible.

Concluyo la reseña de este álbum debut, para seguir “re-esdescubriendo” esta hermosa obra de arte, a través de unas palabras del mismísimo Keith Jarret:

“Me han pedido que diga algo sobre la música de este álbum. Me gustaría muchísimo hacerlo. Sin embargo, si hubiese palabras para expresarme, no habría ninguna necesidad de la música...”

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Lista de temas:

1. "Lisbon Stomp" (Jarret) - 6:02
2. "Love n°1" (Jarret) - 6:11
3. "Love n°2" (Jarret) - 4:27
4. "Everything I Love" ( Cole Porter) - 4:30
5. "Margot" (Jarret) - 3:43
6. "Long Time Gone (But Not Withdrawn)" (Jarret) - 4:51
7. "Life Between the Exit Signs" (Jarret) - 6:48
8. "Church Dreams" (Jarret) - 6:15

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"Sunday at the Village Vanguard, featuring Scott LaFaro"

Flint Creek, New York. 6 de Julio de 1961. Un vehículo que circulaba por la ruta 20 pierde el control y se estrella directamente contra un árbol. Muere al instante el conductor del vehículo, un joven  músico de jazz de tan solo 25 años.  A kilómetros del lugar del accidente, el pianista Bill Evans y el baterista Paul Motian esperaban al joven contrabajista con el cual estaban trabajando desde hacia unos 18 meses, para el ensayo de su próximo concierto. Rocco Scott La Faro nunca llegó.  Bill Evans, devastado por la noticia, disuelve el trio por varios meses, al mismo tiempo que decide homenajear a  ese joven talento de la única manera que puede: a través de las grabaciones en vivo que el trio había realizado en Nueva York tan solo diez días antes de la muerte de LaFaro, y que Bill Evans titula “Sunday at the Village Vanguard, featuring Scott LaFaro”. El homenaje no queda solo en el nombre del disco.  Bill Evans permite ademas que el tema de inicio y el de cierre del disco, sean dos obras del joven contrabajista: “Gloria step” y “Jade Visions”.

Antes de la muerte de LaFaro, pocos dudaban que Bill Evans, unos de los mejores cinco pianistas de toda la historia del jazz,  tuviera por ese entonces el mejor trio de Jazz del mundo. Esta afirrmación se vuelve ley cuando este disco grabado para la Riverside sale a la venta a finales de 1961. La ínter-relación de las frases melódicas y las frases rítmicas entre los tres músicos crean un aura mágica que envuelve al oyente en cada tema, a cada momento.  El bajo de LaFaro se funde junto al piano de Evans y los bronces de Motian en los climas lentos, cargados de lirismo, pausados, de carácter exploratorio. Este disco es el mejor legado que Scott LaFaro le dejó al Jazz.  Con tan solo 25 años y un par de discos grabados junto al Bill Evans trio,  LaFaro sentó las bases del contrabajista melódico, contribuyendo mas que ningun otro contrabajista de la epoca a liberar al bajo de la funcion de mero "acompñanate" en la creación de ritmos; a la vez que era capaz de ejecutar pasajes de elevada dificultad a gran velocidad y con gran precisión. Su tecnica sirvió de inspiración para una extensa lista de contrabajista y bajistas eléctricos que le sucedieron, de la talla de Eddie Gomez, Jaco Pastorius o Marc Johnson,  entre otros.

Para muchos críticos, “Sunday at the Village Vanguard, featuring Scott LaFaro” es el mejor disco en vivo de toda la historia del jazz. Para otros, es un momento único, mágico, irrepetible, que afortunadamente para nosotros, simples oyentes, quedara registrado para la posteridad.

“Toda muerte es trágica. La muerte repentina de una persona joven es aun mas trágica. Para nosotros, tan inmersos en el mundo del jazz, la perdida de un joven músico con el futuro creativo y virtuoso de su instrumento se trasforma en todo mucho mas trágico... Para Bill Evans y Paul Motian, quienes trabajaron a la par de LaFaro por mas de dos años, la muerte del joven brillante se trasforma en una doble perdida: la del amigo, y la del irreemplazable compañero de banda”

                                                        Orrin Keepnews  (Productor de jazz)

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Lista de temas:

1. "Gloria Steps (Scott LaFaro) - 6:05
2. "My Man ´s Gone Now" (Gershwing) - 6:21
3. "Solar" (Miles Davis) - 8:57
4. "Alice in Wonderland" (Fain - Hilliard) - 8:32
5. "All of You" (Cole Porter) - 8:20
6. "Jade Visions" (Scott LaFaro) - 3:46

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"In a Silent Way"

Shhhh... Silencio. 18 de febrero de 1969. Nueva York. El hombre todavía no había llegado a la luna. Pero Miles Davis ya estaba viajando en el cielo. Su despegue había sido diez años antes. La bisagra, la primera puerta abierta de ese cielo color negro que se abrió en marzo de 1959. Nacía el mito, y con el comenzaba la exploración del espacio musical que solo algunos alucinados genios pueden lograr. Diez años, dos quintetos "All -Star", grandes discos, grandes músicos... Pero el Miles Davis de 1969 no era el mismo de 1959. Algo había cambiado. Por empezar, el mundo había cambiado. El jazz comenzaba la inexorable retirada. Todos los grandes estilos pierden vigencia y caen. "Si cayó el imperio Romano, porque no habría de caer el tango", dijo el gran Picucho Troilo en la década del 60. Y porque no habría de caer el jazz también? 

 Beat, Psicodelia, Funk, Pop... Palabras que cambiaron el punto de vista. Músicos que cambiaron el punto de vista: Jimy Hendrix, Sly and the Family Stone, Cream, The Beatles sumergidos en un baño de LCD, Frank Zappa, Carlos Santana.  El caldo de cultivo del germen que comenzó a propagarse por esa sala de gradación de la Columbia Records, aquella mañana de febrero de 1969.  Una única maratonica sesión donde Miles y un grupo de virtuosos jovenes  emplazaron la piedra fundacional para todo lo que más adelante se llamaría "Fusión": en Guitarras, John McLauglin (futuro líder de la Mahavishnu Orchestra); Dos pianos eléctricos, Chic Corea (futuro lider de Return To Forever) y Herbie Hancock (futuro líder de los Head Hunters); En organo, el austriaco Joe Zawinul (autor del increíble tema que da nombre al álbum, y futuro integrante de  Weather Report); En el bajo electrico, Dave Holland (uno de los bajista mas influyentes de los últimos 25 años); en la batería un incondicional de la causa Davis, Tony Williams (baterista pionero del Jazz Fusión, uno de los mas grandes de la segunda mitad del siglo 20) y en el saxo soprano, otro "amigo de la casa", Wayne Shorter (parte fundamental del segundo gran quinteto de Davis, y  futuro integrante de los Weather Report). Nada más. Y nada menos.

El resultado: un disco que los amantes tradicionales del jazz no pudieron digerir con facilidad. Tampoco era un disco para los fanáticos del rock Beat o psicodelico. En cambio, es un disco para quien le guste la música que se extiende sin prisas, para aquellos que disfruten del toque mágico de un artista sensible capaz de dejar que los silencios hablen con la misma fuerza de la música, para los que gozen con la libertad de los músicos que se mueven sin obstáculos a través de los sonidos, sin restricciones.

Un disco único, de una época única del mundo, de un músico único en su especie.

Shhh....

Lista de Temas:

1. Shhhh / Peaceful  (Miles Davis) -18:16
2. In a Silent Way / It´s About That Time (Joe Zawinul / Miles Davis) - 20:00

"Reunión Cumbre" / "Libertango"

En mi primera entrada a este blog hable de mi visión de los extranjeros. Como somos, que nos identifica. Nombre a los extranjeros por nacionalidad, pero también a aquellos cuya idiosincrasia y manera de ver el mundo, aun dentro de su propio país, de su propia patria, pueden llevarlos a sentirce extranjeros, a pensar como extranjeros, a vivir como extranjeros. Y pienso, siempre desde mi humilde opinión, que hay un músico que  encarna la esencia del viejo dicho "nadie es profeta en su tierra" (pero fuera de ella no deja de ser un profeta extranjero), Astor Pantaleon Piazzolla.

 Los ciclos en la vida de Piazzolla son muchos (resumo los mas importantes): hijo de inmigrantes italianos, nace en Mar del Plata en 1921. Al poco tiempo sus padres deciden probar suerte en Nueva York, y allí pasa gran parte de su infancia y adolescencia,  y es allí donde comienza su periplo con la música y con el bandoneon, mas específicamente. Vuelve a la Argentina a los 17 años y comienza a tocar el tango estrictamente tradicional, aunque también toma clases de música clásica con Alberto Ginastera, y años mas tarde con la gran profesora francesa Nadia  Boulanger. Es este doble aprendizaje (tocar tangos tradicionales en cabaret por las noches, y de día estudiar Stravinsky, Bartok y Ravel, entre otros) lo que configura el carácter musical  que mas tarde, (finales de los 60 y durante toda la década del 70) Piazzola plasmaría en sus obras mas importantes (carácter que también marca la indiferencia y el desprecio de sus mas férreos detractores).

Es justamente la década del 70 el punto culmine de su reconocimiento mundial... salvo en la argentina. Criticado y menospreciado, el Piazzolla de principios de 1970 vendía mas discos en Brasil que en su propio país. Sus problemas económicos (infarto mediante) lo llevan de vuelta a Europa, de vuelta al exilio que nunca dejo, aun estando en la Argentina. Es en Italia, en 1974, donde graba junto a grandes músicos italianos dos obras cumbres de su discografia: "Libertango" y "Summit"  (Reunión Cumbre), este ultimo con la compañía del virtuoso saxo barítono y leyenda del jazz, Gerry Mulligan. Este periodo italiano marca un quiebre bien definido en la música de Piazzolla y del tango en general. Ya no solo es una fusión de estilos, cosa que Astor venia experimentado desde hacia ya muchos años, sino que, lo mas importante, incorpora a su "octeto electrónico" músicos que provienen del mundo del rock y del jazz. Adelantado a su época, la incorporación de instrumentos electrónicos como guitarras eléctricas, sintetizadores o instrumentos de percusión, marca esta época como la gran bisagra del tango tradicional a todas las formas de tango o música ciudadana que existen en la actualidad.

Cuesta analizar la obra de un Genio Loco con mayúsculas, un compositor compulsivo, defensor inclaudicable de su obra, virtuoso instrumentista,  el equivalente argentino de Gershwin o Duke Ellington. Me resulta mas placentero cerrar los ojos y dejarme emocionar por la magia que expira ese bandoneon ante cada quejido, ante cada suspiro, ante cada silencio.

Cierro con una  frase piazzolleana y un  par de temas de los dos albunes comentados. Esta entrada  no es mas que un homenaje al músico que me enseño a escuchar "la" música, pero no con los oídos, con el alma.

"La música es más que una mujer, porque de la mujer te podes divorciar, pero de la música, no. Una vez que te casas, es tu amor eterno... y te vas a la tumba con ella".

                                                                                                     ASTOR PIAZZOLLA

                                                                                                           

"My Favorite Things"

Les hable de mi primer jazz en la introducción a este blog, "Autumm Leaves", un sonido que remite directamente a mi adolescencia, el punto de partida de esta paciente búsqueda personal. Pero la idea de este blog no es de hablar de temas en particular, sino de obras de arte musicales, es decir, los discos que han marcado y que siguen marcado un punto de inflexión en mi vida de extranjero. Quisiera comenzar marcando un contrapunto con la entrada anterior, hablando del ultimo disco que llego a mis manos. Ya soy un adulto, aunque a veces sigo con el asombro de aquel muchacho tímido e introspectivo frente a lo grandioso de este genero musical. Y escuchar a esta edad a John Coltrane, y redescubrirlo, y emocionarme y sorprenderme después de haber escuchado tanto cosas, es lo que me impulsa, entre otras cosas a escribir este blog.

1961...

Algunos recordaran todavía la "masacre de París", aquella brutal represión del gobierno francés, presidido en esos tiempos por el General Charles de Gaulle, contra la población argelina que habitaba en París y sus alrededores, en el marco de una pacifica manifestación del pueblo argelino contra la llamada "guerra de Argel." Se calcula que mas de 300 personas fueron brutalmente asesinadas aquel 17 de octubre, a manos de la policía francesa.

En los Estados Unidos,  mientas tanto, eran los días de la "Guerra fría", de los discursos y las "manifestaciones por la libertad" de Martin Luther King, y entre tantas otras cosas, de la salida a la venta del primer disco del saxofonista tenor John Coltrane como líder de su propia banda, un cuarteto formado por el pianista  Mccoy Tyner, el bajista Steve Davis, y el baterista Elvin Jones. El disco en cuestión se titula "My favorite things",  y fue grabado para el sello Atlantic Records. Este álbum de Standars de jazz, debut de Coltrane como "leader", significa también su debut como saxofonista soprano (instrumento que casi no se utilizaba en la escena jazz de aquel momento). El hipnótico tema que le da nombre al álbum demuestra a simple vista el gran giro musical en la carrera de Coltrane, giro que ya había comenzado  a finales de los '50, Junto al genial Miles Davis y cuyo punto culmine de dicha colaboración es el disco "Bisagra" Kind of blue. La riqueza de los largos,  imprevisibles, mágicos solos de Coltrane (apoyados sobre la base del llamado "jazz modal"), el contraste del rítmico pulso percusivo del piano de McCoy Tyner (perfectamente explicitado en el solo de "My favorite things"), y una aceitadisima sección rítmica hacen de este disco una obra de arte moderna. Es el comienzo de una leyenda que se agiganta mas y mas a medida que nos adentramos en cada una de sus obras posteriores.

Imposible de escuchar solo una vez...

                    Lista de temas:

1. "My Favorite Things" (Richard Rogers) -13:41
2. "Everytime We Say Goodbye" ( Cole Porter) -5:39
3. "Summertime" (George Gershwin)- 11:31
4. "But Not For Me" (George Gershwin)- 9:34

"Introducción"

A partir de ahora dejo de ser un extranjero anónimo. Soy un virtual extranjero perseguidor, por adopción, por libre albedrío. No importa que digan que nunca viví fuera del país. Un extranjero puede sentirse así dentro su propio país, dentro de su propia comunidad, dentro de su propia familia, incluso dentro de su propio cuerpo. Porque... Quien no se ha sentido, aunque sea por media hora, quince minutos, 30 segundos, un extranjero? Quien no ha mirado con pesar y sorpresa de exiliado que no sabe como regresar al hogar, cosas que pueden llenar de alegría o costumbre a la inmensa mayoría, pero hacer sentir incómodos a otros? Quien no se a sentido incomprendido, como si hablara otro lenguaje y tuviera una idiosincrasia diferente a la del resto? Las posibilidades del porque son infinitas.  Tal vez por ignorancia,  soberbia, timidez, rebeldía...

En mi caso, la música me transformo en el extranjero que soy ahora. Y fue un proceso difícil, en especial durante la adolescencia. Recuerdo que en ese momento (principios de los '90)  mi personalidad y mis gustos tomaron caminos que pueden catalogarce como "raros". Con mis sueños de escritor y músico a cuestas, comencé a investigar mas allá de lo que me ofrecía la escuela, la biblioteca de mis viejos, o la música que ellos escuchaban, o la que podía escuchar cualquier adolescente de mi generación. Nombrar apellidos como los de Parker, Davis, Evans, Williams, Clark, no era estar nombrando la formación de un club de la liga de fútbol inglesa. Comprar discos en la sección "ofertas" de cualquier cueva del centro no era por miserable. Emocionarme con el sonido de grabaciones que databan de la década del  '40 no era el acto propio de algún abuelo nostálgico. Era el comienzo de una búsqueda que continua hasta ahora, era el comienzo de mi auto exilio a distantes territorios alejados de la realidad que me rodeaba.

El jazz me encontró una noche de invierno, en el living de mi casa paterna, explorando en el dial de la radio de un viejo centro musical. El sonido metálico de algún instrumento de viento, el hipnótico galope de una sección rítmica, el martilleo del marfil y el ébano de algún piano quedaron flotando en mi casa aun días después de aquella primera vez. Y yo nunca más volví a ser el mismo.

Este blog no cumple ninguna función concreta. Es solo un capricho más del destino de este extranjero, que a manera de homenaje pretende, con vana modestia, conocer y dar a conocer esta Nación única y alejada de cualquier convencionalismo.

De yapa, dejo una ventana abierta para que conoscan la primera canción que me obligo a ser un jazzdependiente, allá en mi temprana juventud: del disco  Somethin' Else , el tema "Autumn Leaves"  grabado el 9 de marzo de 1958,  por el saxofonista Julian "Cannonball" Adderley, junto a Miles Davis, Hank Jones,  Sam Jones y Art Blake.